疫情常态化后，时装行业在寻求全新转变。最近，上海时装周与时俱进，推出首季数字上海时装周，打破秀场发布、内容传递的界限，连续3天每天6小时直播，展现出不同中国设计师品牌各自高质量美学的同时，也拉近了时装秀场与大众的距离，成功突破空间的界限，带来全新的后疫情时代时装周的“出口”。
这次时装周日程上，新鲜的“血液”再次吸引我们的目光，他们闪闪亮的“简历”中，到底是什么让他们脱颖而出？他们的脑海里又装了什么，可以表达出如此强烈的语言？
他们是谁？他们是NAN KNITS主理人Nan、MTG创始人Lai和Christine、TING GONG创始人龚婷、DOUBLEFABLE创始人Yong Guo和Huailei Yu。
“针织不仅能做衣服，
还能做自己想要的面料。
它是由线到面料到衣服，
各个环节你都可以自己把控。
不同的材料，不同的针法，
都能创造出很多想不到的效果。”
——Nan
Nan的设计作品拥有浓烈未来主义风格的肌理、挺括尖锐的廓形、体积感、“新新人类”的图案，这些设计语言似乎暗示着Nan对于灵感的侃侃而谈。
然而，他所专注的却是非常务实的针织工艺。织光工艺、膨体针织、全成型技术这些专业词汇频频出现在Nan的阐述中，他熟练地讲述着他的针织服装从一根线、到一块布料、再到一件成衣的“诞生”过程。
这非常出乎意料。
NAN KNITS AW 2022 “爱的未来纪元“
讨论一种虚拟的情感，在原有肌理上加入交友会用到爱心等表情符号
当被问及自己开发的针织面料中，最满意的是什么？
他毫不犹豫地说，是织光工艺。
织光工艺是Nan在研究生时期尝试开发的针织工艺，针织会有发光效果，且特别硬挺，但在把其变成可穿着的单品时，遇到了许多问题。比如这类针织工艺对机器要求比较高，对操作人员要求也高，与此同时还面临保养和穿着上的问题，反复尝试，得以有成熟的面料成品，制成成衣。
NAN KNITS SS 2022 “霓虹意识”
仿生元素加入亚洲文化中，运用了Nan开创的织光工艺
22秋冬系列“爱的未来纪元”是Nan的第二季系列，他换了一种针织表达方式——针织似羽绒服。
不触摸实物，你很难相信这是针织制成的衣服：膨胀、柔软、保温。
Nan解释其中的工艺原理：“膨体针织工艺是利用材料在洗水之后的收缩，运用到夹纱的工艺。从工艺角度来讲，针织是一个双层结构，在这个双层结构中再多夹了一根纱线，这根纱线其实是人造纤维，行业里面称作为膨体纱，其特点是遇水会膨胀起来。外侧两边的材料我们运用到的是涤纶，它洗水后会收缩。
所以，织出来是平面，洗完水之后，一个收缩一个膨胀，就会整个膨起来，像面包一样发酵起来，产生一种保暖、柔软、舒适的感觉。”他们在这现有工艺基础上加入了针织提花渐变效果。
“一件衣服的诞生过程从
设计师设计、画稿出发，
然后交给专业的师傅进行编程，
专业师傅编程还需要
吓数师傅来测算织物的平方，
把平方和花型结合，做好一套程序后，
交给上机师傅在机器上把布片织出来，
织出后要进行缝盘、洗水、整烫。”
——Nan
Nan用一根根纱线变幻出各种“玩趣”的针织魔法，不敢相信却又如此真实的存在着。他购置了世界上针织工艺最领先的机型之一STOLL ADF，开设了自己品牌从线到衣服的全过程版房。
他向我们打开了一个新科技针织世界，针织不是传统的羊毛，羊绒衫，它是属于未来的，是一个充满科技感的未来工艺，因为针织整个生产过程特别像3D打印。
他还向我们介绍了一门技术，叫全成型技术：“可以通过针织电脑横机把一整件衣服织出来，这个机器仿佛一台打印机一般，把一件衣服打印出来，节省了人工缝盘的成本，为未来提供更多可能性。”
电脑针织横机/设计工作台/画花师傅工位
来自Nan的图片记录：他的版房Studio
“0浪费立体剪裁的想法
起因于款式开发上
会有很多浪费、剩余的面料，
我们把这些面料重新用于新一季款式，
出现在每一季服装里。
这样循环往复过程中，新旧再次重演。”
——Christine & Lai
Lai是一位参与各种极限运动的女孩，跳伞、滑雪、攀岩等，Christine说起视觉化音乐、Techno Music时充满激情。
她们有一个想要去做可持续时尚的共同愿景，于是有了“0浪费立体剪裁”。
MTG AW 2022
回溯记忆，现实呓语，在尘封的“布洛陀神话崇拜”中
追述未来时空服装的可持续性
Christine有些小自豪地和我们说到0浪费立体剪裁工艺的产品：“上一季我们用0浪费立体剪裁方式，做了一款子母裙，很特别的剪裁，也很受客户喜欢。”
这一次A/W 22系列，她们俩回到广西壮族，也是Christine的家乡，去那里找寻悠久历史的“百衲布”，打开尘封很久的“百衲布”技艺，将0立体剪裁的工艺与“消失的壮族文明”相结合。
“百纳布是一个非常环保的工艺，
是通过回收百家做衣、做被的边角料，
去重新改造它。
对于广西壮族来说，是民族繁衍，
是对于儿女期待的一个概念，
所以有很多花鸟鱼虫、太阳图案，
去展现文明传统的力量。”
——Christine
此外，她们还会用3D建模软件完成最初的设计，由于最终设计稿才会用到具体面料，这样的3D制版可以减少设计环节中款式上的面料浪费。
Lai和Christine还告诉我们，每一季的设计都会从生活的一个运动出发：城市骑行、水上瑜伽、70年代流行冰球……源于她们对生活的体验，对运动的喜爱，从而从设计中散出对于“身体不被束缚”的人体与时装关系：“运动都是我们自身生活中去感受的，身体不被束缚也是我们每一季尝试的新运动，对于自己身体的极限挑战，从这个想法中引发对于服装的思考。“
她们的思维世界里，这个被无数次提到的可持续性，并不只是环保那么简单，是一个可以追溯过去文明，抵达当下流行运动的良性循环。
MTG A/W 2022、 S/S 2022胶囊、 S/S 2022
“我去了广西侗族，类似于采风，
记录一些他们用的生活用品啊，
他们的习俗啊，
把这些东西都搜罗回来，
这一行为我希望我每年都可以做到。”
——Gong Ting
这是龚婷第一次做成衣系列。
但因为疫情，最初设想一边在“路上行走”，一边拍完2022秋冬“One Ride at A Time/一次一趟”系列的宣传片，只能“搁浅”，即使团队已经“从无到有”造出了两台摩托车。
TING GONG A/W 22 “One Ride at A Time / 一次一趟”
在一段关于AW22系列的描述中，我们发现龚婷的设计有个非常有意思的地方——在服装材料的运用中，会融入沿途收集的剩余皮料，还有渔网这些日常生活中的东西。
她说她爱收集一些小的物件，不见得是非常漂亮的设计品，她用渔网来打了个比方：“我直接用渔网做成一件可以穿的衣服，有种“拿来主义”的意味，也算是一个巧思吧。想要实现这个巧思，实际上会遇到一些困难，因为渔网的形状就只有那么一个，衣服再简单也有轮有廓。“
“日常生活用品通过材料、形态、结构形成既定的功能。我可能观察到了它其中一个或所有属性里的特征， 然后就直接转移到服装、面料的设计上，再继续调整。那些材料不一定是舒适、符合人体工学的面料，我便要去研究它到底哪里吸引我。
此外，我们也有使用‘科技面料‘，它对光和其他介质具有更完整的反射或隔离的能力。其实它原本是建筑材料和电子产品里会使用的，我尝试探究其可能延伸出的设计方向，进而体现在AW 2022系列里。”
打破材料界限的同时，龚婷出了一本小书，关于《A Way of Wearing》项目。其中，她也有对渔网的描述：自己对于渔网的看法，经过哪些人的手织出来，这本身就有一个故事性存在。她觉得自己并不是在凭空创造，而是把已有的事情通过一个物件讲出来。在龚婷的描述中，我们发现这本她口中所说的小小册子，仿佛是一个生活日常、人文宝库。
《A Way of Wearing》
龚婷的设计同样坚持着“可持续”，但她并不太愿意用这个词来表达，后来发现事实如此，也就悻然接受了这个词汇。
在她看来“可持续”并不是偏向服装本身，而是人和人的关系：“比如在采风调研中，当地家庭里，他们建的房子用的木材，多少年长出来，什么时候可以砍，所有的小细节都有反映这一点。”
“这件20年的衣服，上面的数字每年会有变化，会被替换掉一些部分，等于这件衣服会一直，改变，但她的基底是不变的。你把她理解成一个空白的画布，可能有20个画布，我每个画布给了不同的人，干不同的事情，最后变成了20件不一样的衣服。”
——龚婷《A Way of Wearing》
对于以往的一些作品，龚婷将其描述成“蛮像NFT服装的”，让人略有些惊讶，一位在诉说着人文采风故事的设计师，过去的作品竟然偏向未来感，在这个定义下，龚婷迸出来一个词汇”复古未来风“，话音刚落，电话那一头传来她的笑声。
在这一季成衣系列之前，龚婷的装置作品都在用服装表达着复杂的思想，似乎是一个大脑思维世界，让大家在模特行为，似虚似实、未来感廓形的服装中，专注思考。它可以是人体与空间的关系，也可以是现实生活的处境，在观者眼中，更偏向于开放性的表达。
“ 我们用的剪裁，面料，再扫描到电脑里面去的时候，反而就是一件虚拟服装，当时没有想要做人穿的衣服吧，做一些比较帅的东西出来。”龚婷说着当时自己的想法，笑了。
面对成衣的新挑战，龚婷想专注于此，至于装置艺术之后还是会继续。
消失那个系列，是我当时毕业作品的衍生，其实有点anti-fashion，硬是要把五光十色，丰富的东西全部去掉。白方虚方我都把它当做一个系列在做，都在一个变形的四方体的空间里去呈现的。”
——龚婷
“这不是一个很简单的图像转化，
我们做了大量面料工艺上的实验，
把平面图像转化成立体工艺，
我们对于图案的认识、
视觉的理解是更立体化的。
我们希望图案的呈现是有质感的，
并不是简单平面化的东西。”
——Yong
图像，让Yong Guo和Hualei 看到了彼此设计语言的共同点。
他们对于时装上图像的设计、刻画、运用令人印象深刻，能感受到他们与生俱来对于图像视觉的敏锐度。他们最终在服装上产出的图像并不是平面的，如果可以用手触摸，你会发现那些图案都是立体的。
DoubleFable A/W22 “旧相簿”
灵感来源于旧相簿中两位设计师的母亲及同时期的干净利落、暗藏棱角女性形象
这些特别、立体的图像与设计要从他们的毕业设计说起。
Yong的毕业设计是从妈妈这样一个女性形象出发，去讨论完美与不完美的概念。因为乳腺癌，Yong的妈妈失去了身体上的完美，但在与自己和解过程中，拥有了完美的心态。
“你会看到毕设系列都是扭转的，都是我妈妈的服装一层层套上去，然后在图案上创造一种视觉错差。其中一个Look，左半边的解构是立体胸部，右边就是很平面化，我用工艺做出阴影部分，呈现一个立体效果。被报道比较多的是维纳斯Look，她是断臂的，但别人给她加上胳膊也没有断臂那么完美，就是在讨论这个关系。”
Yong在纽约时装周上呈现的毕业设计
Hualei说自己的毕设是在讨论对和错的标准，借用同义词，在服装上体现就有些抽象了。
“像‘cup‘这个词，有杯子的意思，也有内衣罩杯的意思，有小号、中号、大号，同时我就做了一个杯子，打开之后是内衣；‘brief‘有简介意思，也有内裤的意思，印有brief的简章打开是内裤，这是一个有趣的转化。”
HuaLei在纽约时装周上呈现的毕业设计
不像数码印花这么简单，他们做了大量面料工艺上的实验，将平面图案转化成立体工艺，甚至可以说是有一些重工，类似于高定的感觉。“我有些Look用到织带，将3-5毫米的织带拼到一起，相对比较费工夫，但效果非常好，Hualei毕设用到了施华洛世奇与图像的融合。”Yong强调她们对于图像呈现的高要求。
这次AW22是他们俩一起设计的第一个系列“旧相簿”。
“我们从家族的相册里面提取图案以及装帧工艺，把这些抽象成了图像上的工艺。所有图案都是立体的，带有一定肌理的，以及一些贴边是突破传统工艺限制的。比如老照片有一些磨损的边缘我们也运用于衣服上，一般服装的边缘会用包边、滚边、卷边这种形式去做，但是我们通过不断尝试让它是单层的，以及它的边缘非常硬挺完整。”
Hualei有条不紊地阐述他们第一季的工艺特色。她还和我们补充了这一季女装裤子其实是用了男装裤相对复杂的工艺。正如他们自己对于服装的要求，是有质感的，特别的。
DoubleFable A/W 2022系列工艺制作过程
科技、工艺、日常生活、文明传承、未来空间，这些看似与服装毫无关联的文字，却与之密不可分。
时装设计师们不再是画画稿纸，说说灵感那么容易。从面料开发到整个制衣过程，从市场反馈至商业推广，他们也都要参与每一个环节。新锐并没有天马行空，他们反而时刻都在思考着设计与商业的平衡、产品研发，以及品牌生存的问题。
编辑/Elaine 设计/Kiko
*图片均由受访者提供
